Что Япония сделала для моды?
Расследование Buro 24/7
Традиционным женским оби завязывают кимоно. Шьют его из шелка контрастного к халату цвета и украшают узорами. В разложенном виде пояс достигает 30 сантиметров в ширину и 4 метров в длину, а потому завязывать его надо уметь — в идеале должна получиться широкая полоса на талии и гигантский декоративный бант на спине. Выглядит он настолько впечатляюще, что вдохновил не одно поколение западных дизайнеров на эксперименты. Из последних примеров смотрите коллекции Litkovskaya, Maison Margiela, Armani Prive, Donna Karan и Jean Gritsfeldt.
Кимоно и халаты
Общепринятой одеждой японцев обоих полов несколько веков подряд был халат: мужчины победнее носили с брюками его укороченную версию, состоятельные горожане накидывали несколько халатов один поверх другого, женщины же брюками не пользовались никогда — их единственной одеждой был лишь халат-кимоно.
Шились и мужские, и женские халаты по одному принципу: прямой крой, цельные полотна ткани, согнутые на плечах, вшитые клинья, которые опускались до самого подола и позволяли заворачивать одну полу халата на другую, а также прямые широкие рукава. Простота и практичность этой конструкции вдохновляет и сейчас: посмотрите хотя бы на коллекции Тома Брауна, Крейга Грина, Джонатана Андерсона или Лили Литковской.
Обувь: гэта, дзори, таби
Японцы не особо заморачивались с обувью и придумали для себя несколько видов сандалий. Носили они преимущественно плоские сандалии с плетеной подошвой из соломы, конопли и других трав на шелковых или соломенных завязках. Назывались они дзори. Горожане носили сандалии-гэта — вырезанные из цельных кусков дерева, прямоугольные, на невысокой колодке. Надевали их на босу ногу или на специальные невысокие полотняные носки таби. Такие носки были особой формы: для большого пальца в них было свое отделение — и это позволяло легче повязывать гэты на ногу. По подобию обычных таби вскоре появились дзика-таби — носки из более тяжелых, жестких и потому прочных материалов, иногда с прорезиненной подошвой, которые можно использовать как полноценную обувь.
Традиционные дзика-таби легли в основу обуви из первой коллекции Мартина Маржелы сезона весна/лето — 1989. Тогда дизайнер обул моделей в кожаные сапоги с отдельным большим пальцем. Каждую пару обуви он специально смочил в краске перед самым показом, чтобы зрители оценили необычные следы на белом подиуме.
Японская живопись, которая всецело обращается вокруг природы, гравюры, поражающие своей тонкостью, цветочные узоры на тканях и каллиграфия часто становятся отправной точкой для современных дизайнеров. Рисунки в японской стилистике, например, не так давно украсили и мужскую, и женскую коллекции Тома Брауна, а теперь еще и стали главными в новой коллекции Valentino.
После Второй мировой войны американские солдаты, служившие на военных базах в Японии, украшали свои куртки вышивкой с традиционными японскими мотивами и привозили на родину в качестве сувениров. С тех пор такие куртки стали достаточно популярны как на Западе, так и среди местного населения, а этой весной появились в показах Louis Vuitton, Saint Laurent, Gucci, Dolce & Gabbana и многих других. Подробнее о них читайте в нашем ликбезе.
В начале 70-х годов два японских дизайнера, которые в будущем стали легендами, Такада Кензо и Иссей Мияке, попробовали покорить западную модную индустрию, но удалось им это не сразу. Новые идеи и концепции совершенно не приживались среди консервативной европейской публики. Тем не менее Кензо и Мияке уверенно открыли фирменные магазины в Париже и продавали в них свою одежду из резины, железа, бумаги и самых разнообразных материалов «будущего».
В начале следующего десятилетия случился «японский прорыв»: в 1981 году Едзи Ямамото и Рей Кавакубо показали свои коллекции в рамках парижской Недели моды и просто шокировали европейцев: коллекции их выглядели не то как произведение искусства, не то как карикатура на европейскую одежду. Тогда стиль коллекций японцев называли destructuree look, позже это направление в дизайне одежды получило название «деконструктивизм».
Триумф черного цвета, бескомпромиссная многослойность, трансформации одежды, игры с отдельными ее фрагментами, попытки соединить несоединимое, отказаться от традиций, от канонов «хорошего вкуса» — Кавакубо и Ямамото фактически разрушили традиционные представления о форме, функциональности и границах одежды, рассматривая ее как элемент чистого искусства, как объект для экспериментов.
Именно благодаря деконструктивизму в современной моде почти не существует строгих разграничений между одеждой для дня и для вечера, для отдыха и для работы, элементы униформы проникли в повседневную одежду, мотивы спорта — в вечернюю. Нарядные ткани — бархат, парча, атлас, кружева — заняли свое место в повседневном гардеробе, а кожа, деним, трикотаж и твид взлетели до уровня красных дорожек.
Ученые Массачусетского технологического института вдохновились японской кухней и создали умную ткань . В чем связь? Одно из традиционных японских блюд — сброженные соевые бобы натто — готовится при помощи специальной бактерии Bacillus subtilis natto (сенная палочка). Она способна изменять свою форму в зависимости от температуры окружающей среды — и ученые уже знают, как применить это свойство в спортивной одежде.
Японские выкройки по книге Pattern Magic
Книгу «Pattern Magic» и хорошие отзывы о ней я уже давно встречала на просторах интернета. Книга написана японкой Tomoko Nakamichi, и впервые была издана на японском языке. На Осинке книга обсуждалась, и сканы выкладывались. насмотревшись на эту красоту, да еще и узнав, что книгу теперь перевели на английский! ))) я не выдержала, и приобрела обе ее книги))
Автор Tomoko Nakamichi живет и работает в Токио, преподает в старейшем и престижном колледже Токио Bunka Fashion College
Томоко читает лекции и в Японии, и за рубежом на тему построения выкроек, лекал. Выпустила две книги: Pattern Magic и Pattern Magic 2.
посмотрите, как интересно Томоко строит выкройки, и создает необычные фактуры из ткани!
автор предлагает создать хорошо сидящие вещи не только с помощью вытачек, но и применяя дизайнерские линии на выкройке, которые можно вставить где угодно, и как угодно. Сначала эти линии отрисовываются на манекене, на тканевой выкройке, потом ткань разрезается по этим линиям, и раскладывается в плоскость, для перевода на основную ткань ..
вот, например на этих фото, видна технология
Точками она отмечает начало и конец вытачки на тканевой выкройке, и пересечение вытачки с талией. Потом наносит так называемые дизайнерские линии, по которым хочет делать разрезы. Не забывайте проставлять маркеры, чтобы после разрезания правильно соединить детали. Разрезает выкройку по этим линиям и раскладывает на плоскости.
Понятно, что выкройка ровно и плоско не ляжет, вот тут Томоко и предлагает где-то делать складочки или разрезы, чтобы выкройка легла ровно. Разрезы рекомендуется делать по направлению к концам выкройки. а складки сшивать. Если разрез получается очень большой, то лучше распределить его на несколько маленьких.
Фотографии в альбоме «Pattern Magic 2» natalvor на Яндекс.Фотках
[more]
http://img-
И еще у нее есть очень интересные исчезающие элементы!
Шарф – мы видим красиво завязанный шарф – но его концов нет! – они плавно переходят в блузку
То же самое с галстуком – узел и….все)))
Лацканы пиджака …. Ложные )
fotki.yandex.ru/get/4410/24522122.2/0_5fa8e_655db3ce_XL.jpg
и еще несколько страниц из первой книги
Фотографии в альбоме «Pattern Magic» natalvor на Яндекс.Фотках
[more]
Основательница I AM Studio — об уходе из бренда и дальнейших планах
I AM Studio — это первый российский бренд в сегменте «миддл-ап», первый российский бренд с самостоятельным корнером в «Цветном» и первый российский бренд, который не стал играть по правилам мировой индустрии моды, а придумал собственные: например, разделил весенние и летние коллекции, поскольку в России погода в эти сезоны кардинально разнится. Детище Дарьи Самкович всегда было на хорошем счету и у экспертов, и у журналистов, и у клиентов, и у байеров, которые брали вещи марки в том числе в шоурумы во Франции и США. Основательница, заручившись поддержкой мужа с предпринимательским опытом Олега Воронина, размеренно развивала бизнес. Поэтому новость с заголовком «Я покидаю I AM Studio», появившаяся в соцсетях Самкович утром 5 апреля, стала действительно «breaking».
Дарья упомянула о том, что одной из причин ухода стал развод с Ворониным, которого она тем не менее поблагодарила за время и силы, вложенные в компанию. В телеграм-канале «Антиглянец» тут же появились слухи о том, что расставание не было полюбовным и Воронин у Самкович бренд «отжал». «РБК Стиль» обратился за комментарием к предпринимателю, который рассказал, что, являясь владельцем I AM Studio с момента его регистрации в 2009 году, помогал и поддерживал Дарью в проекте, а активным развитием занялся в 2017 году.
«С 2017 года Даша отвечала за дизайн и производство, я — за все остальное, включая выстраивание всех бизнес-процессов и развитие розничной сети. Во взглядах на развитие [компании] у нас не было серьезных разногласий. [Роль здесь] в большей степени сыграли наши отношения внутри семьи. Расставаясь как супруги, мы понимали, что взаимодействовать в бизнесе будет очень непросто. К середине 2020 года 80% всех бизнес-процессов находилось в моем управлении, росту компании требовался большой управленческий опыт, особенно в таких кризисных условиях, как в 2020 году. Мы решили, что для бренда будет лучше, если он останется в моем управлении», — объяснил Олег Воронин, подчеркнув, что достиг с Самкович финансовых договоренностей, связанных с ее выходом, и подписал соответствующие документы. При необходимости команда будет прибегать к консультациям основательницы, при этом концепция марки останется прежней. «Стратегия развития бренда последние годы разрабатывалась преимущественно мной, поэтому кардинальных изменений мы не планируем, хотя команда полна новых идей и мы их ежедневно обсуждаем», — подчеркнул Воронин.
«РБК Стиль» решил подвести черту I AM Studio времен Дарьи Самкович большим интервью, в котором дизайнер рассказала о том, как выстраивала свою нишу, почему отказывалась от сторителлинга, каким видела свое взаимодействие с мужем внутри компании и готова ли двигаться дальше.
О марке I AM Studio всегда говорили как об успешном кейсе российской индустрии моды: «бренд, у которого получилось». Как вам удалось нащупать свою нишу, аудиторию и продукт, учитывая, что в начале вашей дизайнерской карьеры в 2008 году ориентироваться, по сути, было не на что?
Я родилась и выросла в Минске. Моя бабушка возглавляла сеть городских ателье. В советское время ателье считались мини-домами моды, которые разрабатывали собственные тренды и лекала и куда человек мог прийти со словами «я хочу, как на этой картинке» и заказать любую вещь. Бабушка рассказывала мне много подобных историй, а папа с собственным швейным производством только подкрепил мой интерес к ним. К тому же я всегда хотела эффектно одеваться, но найти одежду на мой высокий рост было непросто. В 11 лет я решила научиться шить ее сама.
С воображением проблем никогда не было: в первом классе меня отдали в художественную школу, а после девятого я поступила в минский колледж на модельера-конструктора. Очень неплохое, кстати, учебное заведение, в котором у нас был экспериментальный курс: помимо конструирования, нас обучали, например, экономике предпринимательства в швейной промышленности. Я понимала, как делать расчеты и оформлять заказы на производство, как должна выглядеть техническая документация к швейным изделиям. Визионерское дизайнерское видение наложилось на технологическую и экономическую базу уже в Москве, где я училась в Лаборатории моды Вячеслава Зайцева. Но, несмотря на знания в разных направлениях, многое делалось по наитию, методом проб и ошибок. Особенно учитывая то, что во время учебы меня внезапно пригласили на Неделю моды в Екатеринбург, где и был представлен бренд I AM. После этого все завертелось, закрутилось практически без шанса сделать паузу и подумать. И остановилось только сейчас, спустя 13 лет.
Дизайнерское видение все же должно на что-то опираться. Какие примеры вы держали в голове?
В подростковом возрасте я стала гуглить модные показы в интернете, который тогда еще подключался к телефону и загружал картинки целую вечность. Естественно, покупала журналы, из которых в частности узнала про силу японских дизайнеров и Александра Маккуина, чьи показы мне казались верхом концептуальности дизайнерской мысли. Но я поняла, что модой рулит не концепция, что многие дизайнерские вузы напрасно воспитывают в дизайнерах художников. Люди — это не стены, на которые нужно вешать картины. Людям нужна реалистичная одежда, подобранная по параметрам и соответствующая их потребностям. Я сосредоточилась на этом, но без креатива, конечно же, не обошлось.
От чего еще, помимо высокой концептуальности, решили отказаться?
Мне никогда не импонировала китчевость брендов. Поэтому я и назвала свою марку I AM, без использования имени и фамилии, как делали многие дизайнеры в то время. Также мне хотелось, чтобы люди выбирали вещь как таковую, а не историю вокруг нее. В отличие от наших коллег из 12storeez, который все знают как бренд сестер-близняшек, я сознательно отказывалась от сторителлинга. Сосредоточилась на подчеркивании яркости и выразительности, которую хотят демонстрировать российские девушки и которая отличает нас от европеек.